op_pop_art Вот что значит — оказаться в нужном месте в нужное время часы 🕰️

В 1893-м чешский художник Альфонс Муха трудился иллюстратором в заштатной парижской типографии. На Рождество все сотрудники разъехались, а его оставили дежурить. Представляете, сидел Альфонс, скучал, наверное.

И вдруг на пороге появилась Она — звезда и новоиспеченная владелица личного театра. Да еще со срочным заказом на рекламу. Поохав-поахав и пожаловавшись на отсутствие опыта в таких делах, Альфонс за работу все-таки взялся.

А утром 1 января, когда на улицах Парижа появились его афиши «Жисмонда», он проснулся знаменитым, а заодно и отцом-основателем нового направления в искусстве — арт-нуво.

Ну чем не рождественская история? 🌲

Его творение ошеломило публику оригинальностью и манерой исполнения. Такого до него не делал никто. На узком плакате красовалась сама Сара в сногсшибательном золотом платье в образе величественной герцогини-победительницы с пальмовой ветвью в руке.

Актриса была в восторге, заключила с чешским мастером контракт. И жизнь его забила ключом: в ее театре художник рисовал костюмы и декорации, оформлял сцену и участвовал в режиссуре. Он приобрел большую мастерскую, устраивал выставки и тусовался на великосветских вечерах в расшитой косоворотке, подпоясанной кушаком.

Конечно и слухи поползли: что Альфонс оправдывает свое имя «содержанца», что он живет за счет актрисы и между ними кипят бурные страсти 💑

Конечно, биографы все письма изучили, и, увы, в них даже намека на романтику не нашли. Сара Бернар ценила «тонкость линии, оригинальность композиции, удивительный колорит…» и продвигала Альфонса исключительно из любви к искусству.

А если вы тоже любите искусство, то можете изучать его без толстых учебников и скучных лекций. Узнавайте о самом интересном на эфирах с искусствоведами по средам. Чтобы к ним подключиться, пишите в комментариях МУХА и получайте в директ бесплатный доступ 👍

op_pop_art Гуляй, рванина!✂️

Теперь всем, кто любит рваные свитера, всегда будет, что ответить критикам😄👌 Говорите, что этот тренд родился еще в эпоху Возрождения)

И это не будет лукавством. «Мода на разрезы» появилась в эпоху Ренессанса, а причин тому было несколько:

→ Удобно. Разрезы упрощали движение.
→ Дерзко. Все так подустали от строгих средневековых норм, хотелось внести в стиль нотки свободы и эксцентрики.
→ Красиво. Прорези позволяли демонстрировать многослойность наряда. Их располагали на рукавах, чтобы виднелась нижняя рубашка; по линии талии, чтобы подчеркнуть силуэт; и даже на аксессуарах!

Интересно то, что корни тренда лежат в одежде военных — ландскнехтов.

👀Легенда гласит, что после победы над бургундцами в 1477 году одежда ландскнехтов была так изорвана, что они чинили её кусками вражеских знамён. Получившийся пестрый стиль так впечатлил солдат, что они намеренно стали делать разрезы на одежде, подкладывая под них контрастную ткань.

Вскоре стиль «буфы и разрезы» покорил Европу:
* Генрих VIII Английский носил камзолы с разрезами.
* Венецианские купцы шили гигантские штаны из несшитых полотнищ.
* И уже потом-потом дошло и до рукавов дам)

Так что теперь вы в истории моды на голову выше, а в картинных галереях смело можете рассказывать всем про разрезы с выражением лица знатока;)

А если вы хотите также разбираться во всей истории искусства, видеть в деталях контекст эпохи и снимать с каждой картины по несколько слоев смыслов, тогда…

Тогда я приглашаю вас подумать об обучении в Академии OP-POP-ART. После него вы станете полноценным искусствоведом, больше того — будете легко ориентироваться в современной арт-индустрии. Если хотите больше подробностей — скачивайте программу обучения по ссылке в шапке профиля @op_pop_art 👈

op_pop_art «Любовь земная и небесная» 💗

Так называется эта картина, которую венецианский живописец Тициан написал в 1514 году. Он старался для суженой важного чиновника Никколо Аурелио — бедного венецианца из знатного рода. Государственный муж в 50 лет решился наконец жениться. До этого он все родительское наследство потратил на приданое для сестер, тем самым обрек себя одиночество. И вдруг ему несказанно повезло — невеста все-таки нарисовалась, но с очень тяжелым прошлым.

Одновременно и вдова, и дочь казненных бунтовщиков — врагов Венецианской республики, которые выступили на стороне Римской Империи в военном конфликте 1509-го. И ей надо было срочно выскочить замуж, чтобы вернуть конфискованные у мужа и у отца земли, дворцы и украшения. А живущему на одну зарплату Николо, судя по всему, надоело коротать вечера в одиночку. Поэтому он и не поскупился на портрет, даже скорее на невербальное письмо будущей супруге 💌

Давайте хоть частично его переведем с живописного на русский. Итак, на девушке в свадебном платье: пояс — символ супружеской верности и миртовый венок — римский атрибут брака, говорящий о любви и счастье. В охапку она держит чашу с дарами — то, что получит, если не будет «ходить налево».

На стенке мраморного колодца, на котором восседают героини полотна, изображения коня и порки — откровенный намек на то, что если молодая супруга поддастся необузданным страстям, то получит наказание ремнем 😕

Вторая обнаженная красавица-близнец в образе богини любви Венеры благословляет брак через своего посредника Амура.
Античная лампада в ее руке символизирует пламя божественной возвышенной любви.

Пейзажи за дамами тоже со смыслом: слева дорога в гору — трудный путь благоразумия, справа равнина — телесные удовольствия. А полчища кроликов на обоих ландшафтах — пожелания многочисленного потомства в любом случае.

В моем профиле еще множество историй о художниках и их произведениях от классики до современного искусства. Подписывайтесь на @op_pop_art, чтобы каждый день узнавать новое в удобном коротком формате 🫶

op_pop_art 👀Свет очей моих!

Если бы в Средневековье проводили конкурс на самого запоминающегося святого, Луция Сиракузская бы точно вошла в топ.

Юная девушка, спокойно держащая собственные глаза на блюде — это вам не скромные нимбы и пальмовые ветви)) Но прежде чем решить, что католические художники были большими любителями хоррора, давайте разберемся, как так вышло.

💡 Сначала был «Lux» — свет. А потом появились глаза

Изначально всё было поэтично: имя Луция (от латинского lux — «свет») идеально подходило для святой, символизирующей чистоту и веру. Ранние изображения показывали её с мечом и светильником.

Но потом средневековые богословы подумали: «Lumen — это свет, а lumina — это ещё и глаза! Гениально!».

👀Так Луция неожиданно стала покровительницей всех слабовидящих и слепых. И художники, недолго думая, начали вкладывать ей в руки глаза на блюде (а иногда и нанизанные на лезвие.

Что важно: в житии с глазами Луции ничего печального не происходило — это уже «культурный слой» додумок следующих эпох. Правда, практическая польза есть.

Если меч и светильник держат сразу несколько разных персонажей, то глаза — только Луция. С этой деталью ее ни с кем не спутаешь, это часть ее айдентики)

И если вы давно хотели также по разным деталям «читать» картины; стать тем, к кому идут как к «пояснительной бригаде» и в целом всей душой любите искусство — приглашаю вас на обучение в нашем флагмане — Академии OP-POP-ART.

👉Полную программу курса — прямо по темам, всем блокам и преподавателям — вы можете свободно скачать по ссылке в шапке профиля @op_pop_art 👈

op_pop_art Павел I бросил вызов архитекторам ⛪️

Задача — спроектировать новый собор для столицы.

В конкурсе участвовали самые именитые зодчие: театральный декоратор Пьетро Гонзаго, первый архитектор Павловского дворца Чарлз Камерон, автор проекта Биржи и Ростральных колонн на стрелке Васильевского острова Жан де Томон.

Но вот победил почти неизвестный бывший крепостной художник Андрей Никифорович Воронихин…

Ходили слухи, что этот деревенский выскочка — незаконнорожденный сын своего покровителя и главы «Комиссии о построении Казанской церкви» графа Строганова. Будем считать, что распускали их от зависти.

А ведь с задача перед победителем стояла не из легких, и справиться с ней мог только мастер очень опытный и талантливый ☝️

С одной стороны, собор надо было как бы «вписать» в общую картину и построить входом к Невскому проспекту — главной магистрали города. С другой, сориентировать его следовало по церковным канонам с запада на восток, чтобы алтарь был направлен к Гробу Господню. А по этому правилу его надо ставить параллельно Невскому, то есть к нему торцом.

Чтобы это визуально закамуфлировать, Воронихин спроектировал колоннаду-подкову — получилась вот такая оригинальная левая сторона. Это и стало основной «фишкой» собора.

Увы, мечта о второй симметричной «подкове» Воронихина осталась на бумаге — средств не хватило. Но даже в реализованном виде Казанский собор стал первым ампирным ансамблем Петербурга.

В моей Академии мы учим искусству не ради абстрактной эрудиции. Теоретическая база — это инструмент: студенты разбираются в архитектурных стилях, живописи, скульптуре и визуальной культуре, чтобы понимать, анализировать и профессионально интерпретировать искусство 👩‍🎓

А параллельно они осваивают практические навыки, формируют портфолио, работают с арт-рынком и учатся вести проекты — от кураторства до экспертной оценки. Всё это встраивается в карьерный маршрут: музеи, галереи, аукционы, арт-медиа, консалтинг.

Обучение длится 1,5 года и проходит онлайн. Новый поток стартует в июле ❤️ Чтобы узнать подробности, скачивайте программу в шапке профиля @op_pop_art.

op_pop_art 👇Уже неделю я получаю такие запросы:
— А что если я хочу стать участником Закрытого клуба, но пока не имею вИдения на то, как развивать себя арт-сфере? Можно мне с вами?

Решила ответить сразу всем: не можно, а нужно 🤍

Даже если вы пока не строите проектов и не собираете коллекцию — вам будет интересно. Просто подышать одним воздухом рядом с искусством такого уровня — уже большое удовольствие. Для меня самой эта программа — глоток профессионального вдохновения, после которого открывается второе дыхание на новые проекты и свершения.

Если вы видите себя участником Закрытого клуба, заполните очень короткую анкету по ссылке в описании профиля @op_pop_art

Кто встретит нас в Закрытом клубе в этом году?

Сергей Попов, человек который формирует нашу арт-среду. В этом году его галерея pop/off/art отмечает 20-летний юбилей. Нас проведут в её хранилище. В этих стенах — лучший срез современного российского искусства: от нонконформистов до современных звёзд. Особый пункт — Эрик Булатов: галерея Попова единственная в России имеет эксклюзивные права на его работы.

Елена Куприна-Ляхович, обладательница крупнейшей коллекции московского концептуализма, владелица выставочного центра и преподаватель бизнес-школы RMA. Путь Елены начался еще в конце 80-х-начале 90-х, когда она одной из первых в России занялась галерейной деятельностью.

Валерий Дудаков, хранитель лучшей коллекции нонконформизма и «Голубой розы». Обновление этого года: Валерий Александрович лично примет нас в домашнем галерейном пространстве — будет и обзор его собрания, и душевные разговоры за столом. Для меня самой — это мечта, жду невероятно тогда момента, когда смогу разделить ее с вами.

И это еще не вся программа. В плане: интенсив по экспертизе живописи, где вы самостоятельно будете просвечивать картины ультрафиолетом, и целый день со мной, когда я покажу вам свой новый офис и хранилище Postrigay Gallery. В общем, эту неделю вы проведете красиво и со вкусом 💫

op_pop_art «Приходящие сюда будут уходить с ощущением, будто им привиделся театральный сон...»,

— планировал Сальвадор Дали, когда создавал свой музей. И ему удалось 🎭

Это его произведение искусства уже издалека словно сон. Потому что снаружи украшено огромными яйцами — символами рождения, которые Сальвадор часто использовал в творчестве 🥚

А прозрачный стеклянный купол вообще стал визитной карточкой родного города художника Фигереса и его самым узнаваемым архитектурным элементом.

Даже наружные стены театра-музея заставляют сомневаться в реальности — на них налеплены гипсовые булочки-бриоши. С точки зрения Дали, они символизируют роскошь, избыток и добавляют малую толику абсурда.

Кстати, в этом здании Дали впервые выставлял свои работы еще подростком, когда оно было городским театром.

После войны художник его восстановил, превратил в свое произведение и сам остался его охранять. Ведь по завещанию тело сюрреалиста забальзамировали и замуровали в зале под куполом, чтобы он навсегда оставался под ногами своей публики 🦶

И чтобы увидеть его склеп, зрители проходят по лабиринту, сотканному из произведений: инсталляций, картин, скульптур и ювелирных шедевров.

Например, чтобы рассмотреть портрет скандальной голливудской звезды Мэй Уэст, нужно забраться по лестнице и заглянуть в специальную линзу, подвешенную между ног верблюда. Тогда стоящие отдельно в зале диван-губы, камин-ноздри и картины-глаза соединятся в образ 😵‍💫

Такие оптические и культурные фокусы — не случайность, а тщательно продуманный обман зрения, восприятия и мышления. И к таким встречам с искусством стоит подходить подготовленным.
Сюрпризы ждут не только в залах Дали, но и у нас — в OP-POP-ART. Присоединяйтесь к серии бесплатных эфиров с искусствоведами: мы разбираем самые яркие, дерзкие и неожиданные истории, после которых ваше представление о картинах и художниках уже не будет прежним.

Уже завтра, 16 апреля, мы говорим об авантюристах в искусстве — темных лошадках, гениях-бунтарях и тех, кто переворачивал каноны. Чтобы получить доступ к эфиру, напишите в комментариях слово ДАЛИ, и я пришлю вам ссылку в директ 💌

op_pop_art «Тут изображен угнетенный народ, жаждущий слова свободы, идущий дружной толпой за горячим проповедником», — так написал о картине Репин.

Но на самом деле не все так просто 👇

Александр Иванов выбрал этот эпизод для полотна, увидев в нем сущность всего Евангелия: «Се агнец Божий, вземляй грехи мира!» (Иоан. 1:29). И определил смысл своей работы как собирательный образ человечества «на перепутье из физических сил в духовные».

Два центральных образа — Иоанн Креститель, призывающий к покаянию, и приближающийся Христос, через которого будет даровано спасение. Масштаб фигуры Иоанна подчеркивает значимость его миссии — предрекает появление Спасителя. Фигура же Христа на его фоне гораздо меньше, Он только приближается 🙌

Справа группа фарисеев, для которых внешняя праведность важнее подлинной. Они далеко от Истины, поэтому изображены спиной к Спасителю. Только юноша в красном, подозрительно похожий на друга художника Н.В.Гоголя, оборачивается на Христа — он не потерян для покаяния.

Контрастом к этой компании — апостолы за Иоанном Крестителем. Их взоры устремлены вверх, к Спасителю. Здесь юный Иоанн Богослов. За ним апостол Петр, готовый двинуться в путь. Апостол Андрей, обратившийся в слух. Но крайний слева Нафанаил не поддерживает общий порыв — он «сомневающийся».

А перед Иоанном Крестителем в центре композиции — народ, где каждый по-своему воспринимает призыв к покаянию 🎨

Так Александр Иванов не просто изобразил библейскую сцену — он создал философское размышление о человеческой природе, выборе и поиске истины. И чтобы по-настоящему понять масштаб этой работы и вложенные в неё смыслы, важно не просто «смотреть», а уметь видеть.

Именно такому глубокому взгляду на искусство я учу студентов моей Академии. За полтора года они получают главные искусствоведческие навыки, изучают арт-рынок изнутри, встречаются с профессионалами отрасли, превращают знания в реальные проекты во время стажировки, а на выходе забирают свой диплом профессиональной подготовки.

Программу можно скачать по ссылке в шапке профиля @op_pop_art. А если почувствуете, что готовы идти дальше в своем интересе к искусству — новый поток в июле 🤍

op_pop_art 🩵👇 Подробности

В 1907 год в Москве открылась выставка-фурор. Залы благоухали цветами, звучала тихая музыка, стены и потолок слились в серо-голубой гамме, а картины, которых было всего 16, мерцали неуловимыми образами.

Это было место, куда люди приходили, чтобы «выпасть из реальности» — раствориться в мире снов, света. И всего месяца работы этой выставки хватило, чтобы навсегда в истории искусства появилась «Голубая роза».

Кто входил в число «голуборозовцев»? Вот главные имена:

☁️ Павел Кузнецов — лидер группы, мастер воздушных пейзажей и загадочных женских образов.
☁️ Пётр Уткин — его работы похожи на сны, наполненные тонкими цветовыми вибрациями.
☁️ Николай Сапунов — художник, любивший все театральное.
☁️ Мартирос Сарьян — позже ушёл в яркий колоризм, но в «Голубой розе» его полотна были полны символизма.

В советское время искусство «Голубой розы» считали «декадентским», о нем почти не вспоминали. Интерес возвращался постепенно. И пока это происходило, один предприимчивый человек — коллекционер Валерий Дудаков — успел собрать лучшее частное собрание этого направления.

В начале 1970-х годов многие комиссионки и музеи не покупали «Голубую розу», поэтому самые лучшие работы Петра Уткина, Николая Крымова оказались у него. Выбор был очень большой, а цены просто смешные.

🔥И теперь новость: в конце мая будет возможность увидеть эту коллекцию вживую и познакомиться с Валерием Александровичем. Больше того — нас ждет ужин в его компании, мы услышим закулисные истории из мира российского искусства!

Как попасть, присоединиться? Встреча пройдет в рамках «Закрытого клуба» — пятидневной офлайн-программы в Москве, где мы изучаем российский арт-бизнес и коллекционирование изнутри. То есть ходим туда, куда обычно вход закрыт и общаемся с теми, с кем просто так не познакомишься.

Сейчас идет отбор участников. Если готовы провести 20-24 мая с невероятной пользой — оставляйте заявку по ссылке в шапке профиля @op_pop_art ←←←

Там же вы найдете полную программу по дням.

op_pop_art «И только сурок со мной…» 🎵

В 1862 году Василий Перов получил большую золотую медаль Академии художеств и право выезда за границу. Он поехал в Берлин, а затем в Париж, где провёл больше года. Но вдали от Родины вдохновение будто покинуло художника. Он искал тему, которая могла бы стать его визитной карточкой. Поэтому много гулял и просто наблюдал за местными жителями, пытаясь понять их менталитет. Больше всего ему нравились рынки, где скапливалось колоритные личности: женглеры, трюкачи, шарманщики и попрошайки. Среди них порой он находил героев своих будущих полотен.

Например, мальчика-савояра. Вы наверное помните незатейливую песенку Бетховена «И только сурок со мной» на слова Гете? Так вот она как раз о таких детях-бродягах, которых из-за голода в альпийских деревушках савойские крестьяне отправляли в город на поиски лучшей доли.

На картине «Савояр» художник изобразил вот такого спящего парнишку в изодранной одежде с типичным для для его профессии дрессированным сурком и флейтой. Он кажется всеми забытым, одиноким и никому ненужным 🥲

Перову удалось передать крайнюю степень истощения ребенка, непростую судьбу и трагедию самой жизни. Верный сурок, голодный и худой, прижался к хозяину, чтобы хоть как-то согреться. А шляпа, предназначенная для сбора денег, увы, пуста. Значит, сегодня заработать бедолаге не удалось.

Каменная мостовая и высокий тротуар подчеркивают хрупкость и беззащитность савояра. Только выцветший платок на шее нищего артиста выдает в его принадлежность к уличной богеме. Спутанные волосы, болезненная бледность, полуулыбка, навеянная каким-то сновидением, заставляют зрителя сочувствовать судьбе мальчика в этом жестоком мире.

Встреча с юным музыкантом произвела на Перова такое сильное впечатление, что приехав в Москву, он начал развивать в творчестве тему несчастных и обездоленных детей. Появились «Похороны покойника», «Дети-сироты на кладбище», «Тройка», «Мальчик у мастеровой».

А какое произведение Василия Перова поразило вас?

И напоминаю: если хотите каждый день узнавать новое о классическом и современном искусстве в формате рилс, подписывайтесь на @op_pop_art ❤️