op_pop_art 💨Ответ в двух словах:

…бороться с ветряными мельницами.

Автор перформанса — Уильям Лэмсон. Он очень любит создавать работы на грани абсурда и глубокой философии.

Сначала, когда мы смотрим на «Жизненную емкость легких», это кажется забавным)
Но через несколько минут действие превращается в монотонную пытку. Раз за разом — сопротивление, напряжение, неизбежный провал.

Шары падают с разной скоростью (благодаря разному количеству гелия), создавая непредсказуемый ритм поражений.

8 минут. Усталость. Осознание тщетности.

В чём смысл?

Перформанс становится метафорой борьбы с неизбежным — будь то время, страхи или наши собственные ограничения. Как и в буддийской философии, ад здесь создается нами самими: наши попытки контролировать хаос лишь подчеркивают его власть.

Просто и глубокомысленно, правда?)
Очень про нас.

Современное искусство — это целая вселенная смыслов, стоит только отбросить стереотипы. Хотите глубже разобраться в его языке? Приглашаю на мою бесплатную лекцию «Искусство вне музея» — она доступна вместе с ещё пятью материалами в рамках тест-драйва нашего академического курса по искусствоведению.

🔗 Ссылка для доступа — в шапке профиля @op_pop_art

Возможность открыта до июля, поэтому забирайте знания, потом закроем.

И делитесь: как вам перформанс Лэмсона?

op_pop_art 🥲Когда действительно душно

Костюм расшит золотом, духи перебивают запах немытого города, а на шее — огромный складчатый воротник, напоминающий гибрид тарелки и веера. Вот типичный лук любого уважающего себя аристократа эпохи Возрождения.

Имя тому воротнику — раф (или горгера). К концу XVI века он стал символом статуса — дорогим, сложным в уходе и абсолютно непрактичным.

Чтобы создать идеальный раф, требовалось:

😦Дорогой лён — только белоснежный и тонкий.
😦Крахмал — чтобы держал форму.
😦Металлический каркас — иначе 600 складок просто разваливались.
😦Армия слуг — ведь воротник «жил» всего несколько часов, потом все равно обвисал. И нужно было проделать колоссальный труд, чтобы вернуть его в форму.

Носить раф было мучительно: нельзя наклонить голову, легко испачкать за обедом. Зато — бонус! — именно воротники научили Европу пользоваться вилками, вы уже знаете)

И держалась бы эта нелепая мода еще долго, если бы…

Если бы не выяснилось, что на поддержание рафов уходило ОЧЕНЬ много зерна — для крахмала. Министр Елизаветы I возмущался: «Мы кормим тщеславие, а не голодных!».

Королева впечатлилась. И в 1580-м году приняла закон, ограничивавший размер воротника. Это не помогло сохранить их в привычной форме и на смену пришла «ниспадающая горгера» — она уже просто лежала на плечах.

Интересно, правда?)

История искусства — это детектив, где каждая деталь (даже воротник) — ключ к пониманию эпохи🙌

И если вы хотите научиться видеть такие нюансы и знать, что за ними стоит, тогда приглашаю вас подумать об обучении в Академии OP-POP-ART — полную программу курса со всеми деталями (все темы лекций, возможные стажировки, преподаватели) можно свободно скачать по ссылке в био @op_pop_art

op_pop_art 👠Роскошь и супружеский контроль в одной паре
Венеция XVI века. Узкие каналы, дворцы — и дамы, передвигающиеся по городу на полуметровых деревянных платформах, опираясь на слуг. И нет, это не сцена из абсурдного спектакля, а повседневная реальность.

Познакомимся с чопинами поближе в формате QA:

1. Зачем вообще носили такие «ходули»?

Прогулка по улицам Венеции в то время было похоже на квест: помои, выливаемые прямо из окон, болотистая почва, зловоние. Длинные платья волочились по земле…чопины были попыткой спасти и ткань, и ноги🥴

2. Почему такие высокие?

Чем выше — тем богаче дама. Правда, была проблемка: куртизанки быстро переняли моду🙈Так что все запутались, когда Карпаччо написал своих «Двух венецианок»: не понятно — на картине аристократки илиии нет?

В итоге влиятельные модницы пролоббировали запрет: «ночным бабочкам» нельзя было носить шелк и украшения))

Еще в тему рекомендую загуглить гравюру «Куртизанка и Купидон»;)

3. А что там с супружеской верностью?

Да, обещала ответить. Ревнивые мужья быстро смекнули: в таких неустойчивых башмаках жена не сбежит на свидание к другому. Да и просто так не пойдёт гулять — слишком сложно. Церковь тоже одобряла: чопины считались символом «благочестивой скромности» (хотя и факты противоречивы — кто-то наоборот называл их «развратной обувью»).

К XVII веку чопины исчезли — им на смену пришли каблуки. И хорошо, а то непонятно, сколько бы еще дам свернули шею из-за этой экстремальной моды😄

🔥Не расходимся! Продолжаем любить искусство)
Мы с командой создали классный тренажер по искусству — и до 27 июля в него можно зайти БЕСПЛАТНО! (потом снова будет стоить тысячу)

Тренажер научит:
✔ Понимать скрытые символы в живописи — без скучной теории.
✔ «Читать» картины как профессионал.

📌 Доступ — по ссылке в био @op_pop_art

op_pop_art Восток — сладкое лекарство от тоски 💊

Мало кто знает, но в 1912-м Анри Матисс переживал тяжелейший период в своей карьере. После триумфа фовизма он лишился роли лидера нового искусства, подрастерял благосклонность покровителей и критиков.

Тогда он решил оставить шумный Париж и отправился — в Марокко 🛳️

И там, среди древних улочек Танжера, пышных садов «Виллы Брукс» и витиеватых восточных узоров, художник словно заново почувствовал вкус к жизни 🫶

Несколько месяцев в Марокко стали для Матисса переломными. Измотанный депрессией и бессонницей, он будто бы ожил. Он создал более двадцати картин: от «Марокканского пейзажа» и сияющей «Пальмы» до загадочного «Марокканского кафе». Его работы стали тише и глубже — они словно дышали светом и радостью, которых не было в парижских картинах. А встреча с юной марокканкой Зорой вдохновила художника на портрет, ставший символом того периода.

Марокко оказалось для Матисса путешествием в прошлое, в мир традиций и простоты, которое вернуло ему силы и вдохновение 🤌

А я предлагаю вам пережить такой опыт этой осенью — только в Бухаре. Мы с вами, как Матисс, отправимся в экзотическую древнюю страну, чтобы ненадолго окунуться в прошлое и снова обрести вкус жизни. В древнем узбекском городе нас встретят караван-сараи, медресе, мечети, узкие улочки и тихие дворики. А в дни Биеннале — еще и современное искусство, галереи, мастер-классы, гастрономические перформансы и настоящее дыхание востока 🕌

Мы попробуем традиционные блюда узбекской кухни, услышим легенды, посмотрим на город глазами художников и почувствуем атмосферу, которую не найти ни в одном путеводителе.

Все детали маршрута и локации — по ссылке в шапке профиля @op_pop_art. Скачивайте программу, чтобы узнать подробности 🤍

op_pop_art 🔥Этой осенью искусство ждет нас в древней Бухаре!

С 5 сентября по 20 ноября там впервые пройдет Биеннале современного искусства. Это будет грандиозно! Нас ждут плов от Ибн Сины, съедобный павильон, ковры с поэзией и гигантский узбекский икат (ткань, окрашенная в особой технике), протянувшийся через весь город.

Бухара на 10 недель станет главной арт-площадкой Центральной Азии!

Я не могу пропустить это событие и в конце октября отправляюсь туда, чтобы увидеть все вживую, прочувствовать атмосферу и, конечно, попробовать ТОТ САМЫЙ ПЛОВ😏 Собираю с собой небольшую группу — если хотите присоединиться, все детали ждут вас по ссылке в моем био @op_pop_art✈️

Всего в Бухаре покажут свои работы 200+ художников. Но сегодня хочу рассказать про проект звезды современного искусства, индийца Субодха Гупты.

Его называют «Дэмиеном Хёрстом из Нью-Дели», и знаменит он монументальными инсталляциями из простой посуды. Через предметы, который есть на каждой кухне, он говорит о вещах, объединяющих людей: о еде, доме, культурных кодах.

В Бухаре Гупта создаст нечто, посвященное забытым культурным связям между Узбекистаном и Индией, уходящим корнями ко временам Шелкового пути. «В наших культурах так много общего: от ремесленных и кулинарных традиций до архитектуры», — говорит он.

Во-первых, да, художник создаст инсталляцию, которую описывают как купол с эмалированной внешней частью и внутренней облицовкой из сотен подвесных керамических тарелок.

Во-вторых, и в главных — внутри этой конструкции сам Гупта будет готовить еду (!) в сотрудничестве с узбекским шеф-поваром. Только представьте: легенда мировой арт-сцены станет лично угощать гостей меню на стыке двух кухонь😍

Через простой и гениальный жест совместной трапезы Субодха расскажет о том, что нас объединяет. Это будет один из центральных и самых обсуждаемых проектов биеннале.

Едем? Едем!

op_pop_art Что делает эту картину особенной? 🖼️

«Мадонна с Младенцем» Джованни Франческо Барбьери, которого прозвали Гверчино — «Косоглазый», почти сто лет оставалась невидимой для публики. И вот наконец вы можете увидеть этот шедевр вживую — всего две недели, с 2 по 14 сентября 2025 года.

Картина достойна вашего внимания, потому что это не просто работа XVII века, а целая художественная история, в которой каждый штрих наполнен жизнью.

Полотно принадлежит зрелому периоду творчества художника. Для него характерны небольшой наклон головы Мадонны, мягко написанные тени и завораживающая игра складок, которые словно оживляют ткань, воздух и пространство вокруг. Все детали говорят о внимании Гверчино к внутренней жизни персонажей, о его мастерстве в передаче света, движения и эмоций 🌟

Этот образ Мадонны одновременно и реалистичен, и идеализирован, он создает впечатление живого присутствия Святой матери с Младенцем. Особую ценность полотну придает не только талант мастера, но и его история. Оно прошло долгий путь: из коллекции императрицы Жозефины Бонапарт, жены Наполеона, в Эрмитаж Александра I, и в Румянцевский музей. А после его расформирования в 1924-м картина исчезла из поля зрения, а потом «тайными тропами» попала в частную коллекцию живописца Ильи Глазунова. Сейчас «Мадонна с Младенцем» вернулась в музей и впервые почти за сто лет снова доступна зрителям.

А теперь представьте, что вы можете стать частью этого загадочного мира искусства. Работать с архивами, находить забытые имена, курировать выставки, писать про художников и быть связующим звеном между прошлым и будущим.

В моей Академии OP-POP-ART вы можете освоить востребованную профессию искусствоведа с нуля — из любой точки мира, в любом возрасте. Онлайн-обучение, практика, офлайн-встречи, тематические путешествия, Клуб коллекционеров, арт-рынок изнутри и полезные связи дадут полное погружение в мир искусства.

Чтобы узнать подробности, скачайте программу по ссылке в шапке профиля @op_pop_art 🤍

op_pop_art 👀Этой осенью история совершит круг…

На перекрестке Великого шелкового пути снова закипит жизнь. В сердце Узбекистана, в древней Бухаре, под сводами объектов ЮНЕСКО впервые пройдет грандиозное событие — Бухарская биеннале современного искусства.

Это — культурный прорыв, который нельзя пропустить. Я, Анастасия Постригай, еду сама и собираю с собой группу, которую буду сопровождать.

👉 Занять свое место в поездке можно по ссылке в шапке профиля @op_pop_art👈

Последние 10 лет Узбекистан уверенно заявляет о себе на мировой арт-сцене: Венецианская биеннале, ярмарки в Базеле и Париже, выставка в Лувре. И вот — долгожданное внутреннее событие того же уровня.

«Рецепты для разбитых сердец» — так звучит тема первого выпуска.

Легенда гласит, что именно здесь, в Бухаре, Авиценна изобрел рецепт плова, чтобы исцелить разбитое сердце влюбленного принца. Эта история о еде как о лекарстве для души стала главным лейтмотивом всей биеннале.

Что нас ждет?

💔Искусство в сердце истории: около 70 сайт-специфичных инсталляций от более 200 художников со всего мира, включая звезд уровня Субодха Гупты и Энтони Гормли. Их работы специально созданы для древних медресе, мечетей и караван-сараев, многие из которых откроются для публики впервые за долгие годы.

💔 Гастрономия: Центром притяжения станет «Кафе Ошхона» («желудок»), где шеф-повара будут исследовать связь еды и эмоций. Здесь же пройдет Фестиваль рисовой культуры с пловом, паэльей и джоллофом.

💔Ремесла: Узбекские золотошвеи, гончары, ткачихи из Маргилана, кондитеры, возрождающие старинные рецепты — биеннале стирает границы между современным искусством и вековыми традициями.

ДАТЫ: 22-26 октября 2025
КАК ПРИСОЕДИНИТЬСЯ: по ссылке в био @op_pop_art

Станем свидетелями уникального момента — трансформации древнего города в новый международный культурный хаб.

op_pop_art Что чувствует человек в пекле битвы? 💥

Василий Верещагин не просто наблюдал со стороны — он служил полковым художником-баталистом (что-то вроде фотокора тех времен) и лично участвовал в обороне Самарканда во время войны с Бухарским эмиратом. Был ранен в бою, получил Орден Святого Георгия.

Но вместо того, чтобы оставить войну позади, он превратил её ужасы в искусство. Так родилась «Туркестанская серия» из 13 картин, десятков этюдов и сотни рисунков. Все они были написаны в Мюнхене, но основаны на личных воспоминаниях и пережитом опыте в Средней Азии. Эта серия стала настоящим вызовом. Потому что в ней нет восточной сказки, к которой привыкли зрители XIX века. Вместо романтики — зной, пыль, палящее солнце, изнурённые солдаты, смерть и пустота. Верещагин передал всё то, что чувствовал сам без прикрас 🥺

И неудивительно, что современники встретили эти работы враждебно. Для них война — героизм, подвиг и парад победителей. Даже коллеги Верещагина — от Перова до Репина — называли эти полотна «чуждыми» русскому искусству. Они казались антипатриотичными, слишком жёсткими, «слишком правдивыми». Но именно эта правда и сделала их бессмертными. Верещагин хотел, чтобы его серия показывалась только целиком, чтобы зрители видели общую картину происходящего. И в итоге её выкупил Павел Третьяков за огромные по тем временам деньги — 92 тыс. рублей серебром.

С этого момента «Туркестанская серия» стала частью национального культурного наследия. Сейчас её называют художественной летописью событий в Средней Азии ⏳

И этой осенью я приглашаю вас посетить один из древнейших городов мира, который до сих пор хранит воспоминания о сюжетах картин Верещагина. Мы отправимся в арт-путешествие в Бухару, где старинные караван-сараи, медресе, мечети, узкие улочки и тихие дворики встретят современное искусство в дни Биеннале. Мы посетим галереи, мастер-классы художников, гастрономические и творческие перформансы. Попробуем блюда восточной кухни, услышим легенды, посмотрим на город глазами художников и ощутим атмосферу, которой нет в путеводителях.

Все детали маршрута и локации — скоро в моем профиле @op_pop_art. Подписывайтесь, чтобы узнать больше 🫶🏻

op_pop_art Ее называли «Дикий огонь» 🔥

Мэри Эдмония Льюис родилась в США афро-индейской семье. Родители прозвали ее Wildfire — Дикий огонь.

Они умерли, когда ей не было и десяти. И девочка быстро поняла, что живет в мире, где ее цвет кожи и происхождение — главные препятствия для всего.

Дикий огонь продавала туристам корзины и училась выживать. К счастью, ей удалось поступить в одно из первых учебных заведений для девочек разных рас. Там Эдмония и заинтересовалась скульптурой. Но с одноклассниками не складывалось. Ее буллили за необычную внешность, обвиняли в отравлении подруг и воровстве, били и пытались не пускать на занятия — но она не сдалась✊🏾

Переехала в Бостон. Но и там столкнулась с тем, что мужчины-скульпторы относились к ней с брезгливостью, отказываясь ее обучать из-за цвета кожи. Наставника Эдмония нашла, научилась работать по мрамору и создала свои первые скульптуры.

Ее работы публике нравились, ведь она показывала героев борьбы за права афроамериканцев и индейцев с достоинством и силой. А одевала их в древние тоги и драпировки. Успех позволил Дикому огню переехать в Европу. Там меньшее количество предрассудков дало ей возможность творить свободнее.

Она стала первой известной афроамериканской и индейской женщиной-скульптором. Но ей всю жизнь пришлось бороться со стереотипами из-за своего происхождения и пола.

История Мэри Эдмонии Льюис показывает, как искусство помогает выразить свои чувства и мысли, раскрыть свой потенциал и воодушевить людей невзирая на препятствия 🌟

У нас возможностей несравнимо больше. Но если вам не хватает вдохновения и вы ищете дело по душе, я приглашаю получить востребованную профессию искусствоведа в моей Академии OP-POP-ART. Обучение онлайн доступно в любом возрасте и с любыми, даже начальными знаниями.

Кроме обязательных лекций и вебинаров для академистов проходят дополнительно факультативы, офлайн- и онлайн-встречи с представителями рынка искусства, арт-путешествия и Клуб коллекционеров.

Чтобы познакомиться с программой подробнее, скачивайте ее по ссылке в шапке профиля @op_pop_art 🤍

op_pop_art Это не просто урок арифметики 👩‍🏫

Это урок жизни, вдохновения и преданности своему делу.

Учитель на полотне — реальный человек, Сергей Александрович Рачинский, профессор, ботаник и педагог, который отказался от кафедры, чтобы создать школу для крестьянских детей в родном селе. Там он учил не только счету, но и жизни, искусству, истории, географии, физике — всему, что делает человека свободным и мыслящим.
А художник Николай Богданов-Бельский, сам бывший ученик Рачинского, посвятил этому эпизоду свое известное произведение «Устный счет в народной школе». На доске написан пример, который позже вошел в учебники как «последовательность Рачинского»: 10² + 11² + 12² + 13² + 14² / 365

Рачинский разработал уникальную методику устного счета и часто говорил: «С поля за бумагой и карандашом не побежишь. Задачи надо решать в уме». А в 1891 году Академия наук избрала его членом-корреспондентом.

Скажите, а вы успели собрать детей в школу? Какие впечатления у вас в этом сезоне? 🍎 Меня сентябрьская суета обходит стороной, потому что мои дети на домашнем обучении. Но подарки я вам приготовила все равно! 🎁

В преддверии нового учебного года я запускаю большую распродажу на лекции в записи — скидки до 80%! ⚡ Лекции удобно смотреть в любое время, а доступ ко всем материалам сохраняется надолго.
И даже если вы не школьник, это отличный способ добавить себе вдохновения и красивое хобби, которое будет украшать жизнь и давать новые темы для разговоров.

Планируйте новый учебный год не только для детей, но и для себя любимых 😉

Смотрите доступные лекции по ссылке в шапке профиля @op_pop_art.

op_pop_art Из проекта в мировую культурную легенду 🖌️

В 1962 году семья Ван Гога передала более 200 картин, 500 рисунков и почти 900 писем правительству Нидерландов с условием: сохранить наследие и создать музей. В 1973 году он открылся и сразу стал центром притяжения миллионов людей, желающих увидеть работы художника, понять его творчество и прочувствовать эмоции, которые он вложил в каждое полотно.

Но время берет свое. Здание стареет, оборудование выходит из строя, климат-контроль не справляется, запасных частей для него практически нет. А без обновлений невозможно поддерживать сохранность полотен и развивать сам музей.
Специалисты создали «Мастерплан 2028» по его ремонту, который рассчитан на три года и 104 миллиона евро: 76 миллионов решили потратить на замену оборудования и техобслуживание, 23 – на меры по устойчивости стен, 5 миллионов – на структурные улучшения. Частично музей останется открытым, но без финансирования проект не сдвинется с места, а безопасность посетителей и сама коллекция окажутся под угрозой. Фонд Ван Гога напоминает: обязательство государства по договору от 1962 года еще не потеряло силы. Поэтому государство срочно ищет инвесторов.
Ведь культурные личности и их наследие – это не просто картины, письма и здания. Это уроки смелости, вдохновения, творчества, которые живут веками, позволяют нам видеть эпоху, характер и дерзость творцов 🖼

И если вы хотите быть в курсе культурных событий, понимать истории и эпохи великих художников, а также получить хобби, которое будет украшать вашу жизнь и давать темы для разговоров – мой курс «Культурные личности» как раз для вас. Он поможет развивать воображение, эстетический вкус, учиться видеть идеи и визуальный язык произведений.

Продолжительность курса от 3 до 9 месяцев – вы сможете погружаться в мир искусства в удобном для себя ритме и чувствовать, как оно меняет восприятие повседневности.

Закрепляйте свое место по ссылке в шапке профиля @op_pop_art ❤️

op_pop_art 🔍 Отсылка на отсылке

Картину Анри Матисса «Мастерская художника» можно разбирать «по кусочкам», как детектив — улики. И погрузиться в несколько интересных эпизодов из жизни Матисса — понять, чем он жил, чем дорожил и как творил.

Сейчас на одном примере я покажу вам, что изучать искусство иногда интереснее, чем смотреть сериал или фильм с запутанным сюжетом. И если вам понравится — есть повод продолжить самостоятельно и вместо подписки на нетфликс забрать себе пакет из 20+ курсов в записи со скидкой 80%, буквально по себестоимости. Сейчас у нас в OP-POP-ART идет большая распродажа, узнать о ней можно по ссылке в шапке профиля @op_pop_art 👈

А теперь разберём картину Матисса «Мастерская художника».

📍Первая улика — стены. По воспоминаниям современников, стены в мастерской были белыми. Но Матисс чихал на достоверность и «красил» их в своих картинах в самые разные цвета. Потому что был согласен с мнением Делакруа о том, что точность не тождественна правде. Сам Матисс говорил: «Не надо портить правдой хорошую картину». Это решение — осознанное стирание грани между фантазией и реальностью.

📍 Но всё-таки реальности на полотне немало. Вторая улика — ковёр. Это отсылка сразу к нескольким фактам из биографии Матисса. Его предки были ткачам. Регион, где родился художник, славился текстильной промышленностью. А ещё Матисса увлекал восток. Он бывал на большой выставке исламского искусства в Мюнхене, путешествовал в Марокко.

📍 Третья улика — пейзаж за окном — отсылает к творческому пути художника. Матисс пишет «Мастерскую художника», уже попробовал множество стилей и направлений. Так, основная часть картины написана в прозрачной, акварельной манере. А в пейзаже за окном вдруг появляются отдельные тонкие мазки. Это осознанный «привет» импрессионизму.

Вот так, разобрав несколько элементов с картины, мы смогли познакомиться с Матиссом поближе.

Если бы вы хотели показать на картине или фото «отсылки» к своей жизни, что бы выбрали и почему? Поделитесь в комментариях 👇🏻

op_pop_art 🤭🍬Возьму, пока никто не видит

Феликс Гонзалес-Торрес – один из основателей искусства прямого действия, то есть он фактически заставляет зрителя взаимодействовать с произведением искусства.

Одна из первых мыслей, которая проносится в голове при виде этой работы:
— а что будет, если тайком взять конфету? А если несколько?

За день выставки в музее аналогичный вопрос в голове возникает у десятков людей)) Они смущаются, подходят к этикетке прочитать про работу, а там: «возьмите это».

В чем смысл? Леденцы для художника — символ любимого человека, который был болен смертельной болезнью.

Люди брали леденцы, и гора таяла – как и человек исчезал из жизни. У музея, выставляющего работу, есть четкая инструкция от художника: нужно ежедневно пополнять «запас» леденцов до первоначального веса.

Так, по мнению Гонзалеса-Торреса, человек продолжал жить даже после смерти💔

С современным искусством так часто бывает: отталкивающее и непонятное спустя некоторое время меняет впечатление на совершенно противоположное. Главное — узнать о нем чуть больше.

Хотите приблизиться к пониманию искусства? Сделать еще один шаг в эту сторону? Я до конца августа тоже «раздаю конфетки» — провожу большую распродажу лекций в записи OP-POP-ART со скидкой 80%: от биографий художников до глубоких разборов contemporary art❤️‍🔥

Цену на все это удовольствие поставила символическую — отдаю по себестоимости. Можно купить тематический пакет из 20+ записей или вообще все лекции сразу. Для тех, кто успел — доступ будет навсегда.

→→ Купить можно по ссылке в шапке профиля @op_pop_art

Советую ухватить этот выгодный шанс сделать свой досуг более интеллектуальным😉