op_pop_art 💨Ответ в двух словах:

…бороться с ветряными мельницами.

Автор перформанса — Уильям Лэмсон. Он очень любит создавать работы на грани абсурда и глубокой философии.

Сначала, когда мы смотрим на «Жизненную емкость легких», это кажется забавным)
Но через несколько минут действие превращается в монотонную пытку. Раз за разом — сопротивление, напряжение, неизбежный провал.

Шары падают с разной скоростью (благодаря разному количеству гелия), создавая непредсказуемый ритм поражений.

8 минут. Усталость. Осознание тщетности.

В чём смысл?

Перформанс становится метафорой борьбы с неизбежным — будь то время, страхи или наши собственные ограничения. Как и в буддийской философии, ад здесь создается нами самими: наши попытки контролировать хаос лишь подчеркивают его власть.

Просто и глубокомысленно, правда?)
Очень про нас.

Современное искусство — это целая вселенная смыслов, стоит только отбросить стереотипы. Хотите глубже разобраться в его языке? Приглашаю на мою бесплатную лекцию «Искусство вне музея» — она доступна вместе с ещё пятью материалами в рамках тест-драйва нашего академического курса по искусствоведению.

🔗 Ссылка для доступа — в шапке профиля @op_pop_art

Возможность открыта до июля, поэтому забирайте знания, потом закроем.

И делитесь: как вам перформанс Лэмсона?

op_pop_art 🥲Когда действительно душно

Костюм расшит золотом, духи перебивают запах немытого города, а на шее — огромный складчатый воротник, напоминающий гибрид тарелки и веера. Вот типичный лук любого уважающего себя аристократа эпохи Возрождения.

Имя тому воротнику — раф (или горгера). К концу XVI века он стал символом статуса — дорогим, сложным в уходе и абсолютно непрактичным.

Чтобы создать идеальный раф, требовалось:

😦Дорогой лён — только белоснежный и тонкий.
😦Крахмал — чтобы держал форму.
😦Металлический каркас — иначе 600 складок просто разваливались.
😦Армия слуг — ведь воротник «жил» всего несколько часов, потом все равно обвисал. И нужно было проделать колоссальный труд, чтобы вернуть его в форму.

Носить раф было мучительно: нельзя наклонить голову, легко испачкать за обедом. Зато — бонус! — именно воротники научили Европу пользоваться вилками, вы уже знаете)

И держалась бы эта нелепая мода еще долго, если бы…

Если бы не выяснилось, что на поддержание рафов уходило ОЧЕНЬ много зерна — для крахмала. Министр Елизаветы I возмущался: «Мы кормим тщеславие, а не голодных!».

Королева впечатлилась. И в 1580-м году приняла закон, ограничивавший размер воротника. Это не помогло сохранить их в привычной форме и на смену пришла «ниспадающая горгера» — она уже просто лежала на плечах.

Интересно, правда?)

История искусства — это детектив, где каждая деталь (даже воротник) — ключ к пониманию эпохи🙌

И если вы хотите научиться видеть такие нюансы и знать, что за ними стоит, тогда приглашаю вас подумать об обучении в Академии OP-POP-ART — полную программу курса со всеми деталями (все темы лекций, возможные стажировки, преподаватели) можно свободно скачать по ссылке в био @op_pop_art

op_pop_art 👠Роскошь и супружеский контроль в одной паре
Венеция XVI века. Узкие каналы, дворцы — и дамы, передвигающиеся по городу на полуметровых деревянных платформах, опираясь на слуг. И нет, это не сцена из абсурдного спектакля, а повседневная реальность.

Познакомимся с чопинами поближе в формате QA:

1. Зачем вообще носили такие «ходули»?

Прогулка по улицам Венеции в то время было похоже на квест: помои, выливаемые прямо из окон, болотистая почва, зловоние. Длинные платья волочились по земле…чопины были попыткой спасти и ткань, и ноги🥴

2. Почему такие высокие?

Чем выше — тем богаче дама. Правда, была проблемка: куртизанки быстро переняли моду🙈Так что все запутались, когда Карпаччо написал своих «Двух венецианок»: не понятно — на картине аристократки илиии нет?

В итоге влиятельные модницы пролоббировали запрет: «ночным бабочкам» нельзя было носить шелк и украшения))

Еще в тему рекомендую загуглить гравюру «Куртизанка и Купидон»;)

3. А что там с супружеской верностью?

Да, обещала ответить. Ревнивые мужья быстро смекнули: в таких неустойчивых башмаках жена не сбежит на свидание к другому. Да и просто так не пойдёт гулять — слишком сложно. Церковь тоже одобряла: чопины считались символом «благочестивой скромности» (хотя и факты противоречивы — кто-то наоборот называл их «развратной обувью»).

К XVII веку чопины исчезли — им на смену пришли каблуки. И хорошо, а то непонятно, сколько бы еще дам свернули шею из-за этой экстремальной моды😄

🔥Не расходимся! Продолжаем любить искусство)
Мы с командой создали классный тренажер по искусству — и до 27 июля в него можно зайти БЕСПЛАТНО! (потом снова будет стоить тысячу)

Тренажер научит:
✔ Понимать скрытые символы в живописи — без скучной теории.
✔ «Читать» картины как профессионал.

📌 Доступ — по ссылке в био @op_pop_art

op_pop_art Любовь, смерть и искусство 🔥

Соединились в коллекции Рахула Мишры осень-зима 2025 вдохновленной Густавом Климтом и философией суфизма.

Дизайнер перенёс богатый символический язык художника в 30 чувственных образов, которые как будто сошли прямо с холстов модерниста на парижский подиум 😍

Дизайнер поделился с Vogue India, чем его так привлекли женщины Климта: «Больше всего меня поразило то, как редко его модели смотрели прямо на зрителя. Их глаза часто были закрыты или отведены в сторону, словно терялись в другом мире». Он добавил, что хоть и восхищался художником много лет, никогда осознанно не переносил его влияние на свои работы.

А вообще, Мишра начинал свою карьеру в Дели. И стал первым индийцем, кто получил престижную Международную премию Woolmark в 2014 году на Неделе моды в Милане.

«Семь стадий любви» — это его четвёртая коллекция, и она посвящена суфийскому языку образов. При ее создании дизайнер активно использовал традиционные индийские техники вышивки и пошива — зардози и дабка.

Первый образ — распахнутое золотое скульптурное платье в форме сердца с проступающими венами с центром из расшитого пайетками корсета. По мнению создателя, этот туалет отражает не просто сердечное влечение, а благоговение перед женщиной 💞

Все остальные наряды коллекции посвящены другим этапам в концепции суфизма о любви, как о семиступенчатом приключении: увлечению, непосредственно любви, доверию, поклонению, безумию и завершающей стадии — смерти.

Кульминацией стали вышитые темные жаккардовые платья. Последнее в форме теперь уже черного сердца завершило это смелое шоу 🖤

На протяжении всего показа перед зрителями распускался сюрреалистический сад: цветы лотоса венчали похожие на стебли лифы, платья мерцали изящной вышивкой, а на их фактурных поверхностях разворачивались целые драмы 🎭

А если вам хочется привнести побольше искусства в вашу жизнь и разбавить будни, подписывайтесь на мою страницу @op_pop_art. На ней вы каждый день сможете узнать самое интересное о художниках и их произведениях 🙌

op_pop_art Предатель целого мира 💔

Так иначе можно было бы назвать картину Караваджо. Ведь художник запечатлел момент, когда Иуда Искариот выдал Иисуса Христа римской страже. Но, так до конца и не осознав, что делает, потянулся поцеловать преданного Спасителя…

К слову, Караваджо написал произведение по заказу постоянного клиента в 1602 году. А в XVIII веке картину благополучно потеряли. Хотя на самом деле она «пряталась» на видном месте — на стене в дублинском Обществе Иисуса под толстым слоем пыли. И только в 1990-м совершенно случайно ее распознал главный реставратор Национальной галереи Ирландии Серджио Бенедетти.

Оказалось, что в иезуитской трапезной она появилась с начала 1930-х 🍽️ Но ее считали копией одного из голландских караваджистов. Именно с такой атрибуцией картина кочевала по частным собраниям с 1802-го. Пока ее не подарили иезуитам, которые в 1993-ем сдали шедевр в бессрочную аренду музею Дублина.

Интересно, что в 2008-м точно такое же полотно похитили из одесского музея Западного и Восточного искусства. А через два года нашли в Берлине, попутно раскрыв крупную банду торговцев краденым. И каково же было разочарование и экспертов, и преступников, когда при тщательной проверке они обнаружили, что одесский вариант — никакой не Караваджо. Картина была написана на 10 лет позже его смерти живописцем Джиованни ди Атилли, который и известен лишь благодаря этой копии великого мастера 😬

Вот такие детективные истории порой приходится распутывать искусствоведам. А получить эту престижную профессию можно в любом возрасте и с любыми начальными знаниями в искусстве в моей Академии. Чтобы работать в музеях и галереях, быть арт-консультантом для коллекционеров, читать лекции или развивать собственный проект ❤️

Кстати, обучение проходит полностью онлайн, поэтому подключаться к нему можно из любой точки мира. И сейчас у вас есть возможность попробовать побыть моим студентом. Я открываю тест-драйв платформы на 48 часов. Чтобы вы успели попробовать формат обучения и присоединиться к нам, пока не завершился прием на последний поток.

Пишите в комментариях КАРАВАДЖО и я пришлю вам ссылку в директ 📨

op_pop_art 🐴НО, Лошадка!.. НО!

В основе сюжета — легенда. Оч забавная, послушайте:

В конце XII века священник Анри де Андели записал занятную историю о том, как Александр Македонский попал под чары гетеры Филлиды (или Кампаспы — версии расходятся).

И все бы ничего. Но за юным царем Александром приглядывал сам Аристотель, в некотором смысле жено…, впрочем, судите сами: он был уверен, что женщины — опасные существа, способные свести с ума даже самого разумного мужчину😏 Дамы, мы?)

Так вот. Решив спасти ученика от рокового увлечения, Аристотель лично попросил Филлиду оставить Александра в покое!!

Куртизанка согласилась… с одним условием: философ должен позволить ей оседлать себя, как лошадь👀

Что поделать — Аристотель, скрепя сердце, встал на четвереньки. И что вы думаете? Именно в этот момент мимо проходил сам Александр. Увидев своего мудрого учителя, ползущего под Филлидой, он остолбенел. На что Аристотель, не теряя присутствия духа, изрек:

— Вот видишь, если она такое вытворяет со мной, старым и умудренным, представь, во что она превратит тебя!

Аргумент сработал — Александр оставил Филлиду.

Почему этот сюжет стал таким популярным?

Средневековая Европа содрогалась от мысли, что женщины могут быть у власти. Королевы, герцогини, влиятельные фаворитки — всё это казалось нарушением «естественного порядка». История об Аристотеле и Филлиде идеально легла в эту парадигму: она высмеивала мужскую слабость перед женскими чарами и одновременно пугала последствиями.

Как научиться видеть. Даже нет: как научиться узнавать такие сюжеты в искусстве?

Начать можно с нашего бесплатного тренажера — получить доступ к нему можно по ссылке → @op_pop_art 🤫Успевайте: через неделю доступ станет платным.

Что внутри?
→ Мини-интенсив — научитесь «читать» символы и намёки на картинах.
→ Практика — попробуете сами анализировать произведения.

Всё это — в удобном Telegram-формате, без спешки и занудства.

op_pop_art Его можно резать ✂️

Произведение из пенопласта «Младенец Царя Соломона» можно резать по законам рынка и немного по законам Ветхого Завета. Ведь этот перформанс — отсылка к знаменитой библейской притче, ставшей основой бесчисленных произведений эпохи Возрождения.

В ней шла речь об указе Царя Соломона разрубить младенца пополам, чтобы разрешить спор между двумя женщинами. Потому что они обе уверяли, что его матери. Одна легко согласилась на пол-малыша. А другая стала умолять оставить ребенка целым и, соответственно, живым. Соломон именно эту женщину и назвал настоящей матерью.
Что же касается этой статуи, первоначально ее хотели продать целиком. Но передумали ☝️и объявили, что если найдутся два покупателя — то разделят пополам. А если 102 — на 102 части и цену тоже.
Появились десятки желающих приобрести творение, и «Дитя» расчленили прямом эфире на сайте компании… Купившие получили кусок скульптуры случайным образом.

MSCHF — это такой концептуальный коллектив из Бруклина, который практически взял на себя роль «придворного шута». Он превращает какую-то серьёзную историю в зрелище. А если проще — разоблачает абсурдность наших культурных, политических или денежных стереотипов.

И его «Младенец» затронул сразу несколько аспектов. Первый — чем больше делишься, тем меньше платишь. Второй — чем меньше кусок, тем больше работа теряет: форму, ценность и смысл. А может быть, наоборот, приобретает? И еще — разве это всё ещё искусство, если у вас есть всего лишь непонятный кубик пенопласта?

А хотите узнать, как научиться смотреть на такие произведения профессионально? В моей Академии это можно сделать в любом возрасте, онлайн. Причем попробовать поучиться предлагаю прямо сейчас.

Я на 48 часов открою вам БЕСПЛАТНЫЙ доступ к занятиям, чтобы вы поняли формат, систему подачи материала, простоту и мой подход к онлайн-образованию. И если откликнется — успели присоединиться до конца июля. Напоминаю, что дальше Академию я ликвидирую 🙏 Так что это тот самый «последний вагон».

Пишите в комментариях под этим постом ДИТЯ и я пришлю ссылку с доступом в директ 💌

op_pop_art Звезду поглотило другое искусство 😵‍💫

Известный поп-музыкант Эд Ширан неожиданно открыл в Лондоне персональную художественную выставку, представив публике свои собственные цветные абстракции.

34-летний певец и композитор назвал коллекцию картин «Космический автопарк». Однако критики встретили ее сдержанно, а порой и язвительно. Кто-то не воспринял работы всерьез, другие усмотрели в них прямое подражание капельной живописи Джексона Поллока. Пресса, в свою очередь, заподозрила, что все это — не более чем маркетинговый трюк, а не настоящее самовыражение.

Скептикам трудно поверить, что Ширан всерьез решил добавить изобразительное искусство в перечень своих увлечений и талантов 🤌

Между тем, интерес к рисованию у него появился еще в детстве — оба родителя Эда были связаны с арт-сферой. А вот активно писать картины он начал лишь в конце своего масштабного турне Divide Tour в 2019 году. Неудивительно, что живопись быстро стала для него своеобразным «выпускным клапаном» после перегрузки: за пять месяцев он дал 260 концертов.

«Я мотался с гастролями, а все свободное время в Англии посвящал рисованию. Каждое утро приходил на заброшенную автостоянку в Сохо, рисовал, потом возвращался домой. Так проходил каждый мой день, пока я снова не отправлялся на концерт», — делится музыкант.

Со временем друзья уговорили Эда попробовать продать свои картины. Теперь он выставляет их на аукционах, при этом 50% вырученных средств направляется в его личный благотворительный фонд, который помогает детям из малообеспеченных семей получить качественное музыкальное образование.

Выставка будет открыта в одной из лондонских галерей до 1 августа 2025 года. Стоимость одной работы около $400.

А если вы задумались, стоит ли инвестировать в подобные произведения, предлагаю сначала разобраться в логике развития искусства — с помощью моего бесплатного Арт-тренажера. Подойдет для самых занятых, у кого время на обучение есть только по дороге домой или во время перерыва на работе)

15-минутные уроки с тестами-угадайками прямо в Telegram. Чтобы получить доступ, пишите слово ПЕРФЕКТ в комментариях под ЭТИМ постом ✍️

op_pop_art А ведь когда-то его ругали 😢

Скульптуры Мура казались странными, «непохожими». А уже с конца 1940-х он стал амбассадором современного британского искусства — с международными наградами, дорогими заказами и десятками выставок в год.

🏆 В его арсенале премии на Венецианской биеннале (1948), в Сан-Паулу (1953), Орден Кавалеров Почета (1955), Орден «За заслуги» (1963), премия Эразма, Госларская премия… всего более 70 наград от десятков стран. А в 70-е его выставки проходили по 40 раз в год.

Но до этого были совсем другие времена. Еще юным Мур ушел на Первую мировую. Получил отравление газом, попал в госпиталь, вернулся и дослужил до конца войны. Во Вторую — уже как художник — он стал свидетелем бомбежек Лондона. Люди спали в метро, в проходах и туннелях. Эти сцены он запечатлел в серии Shelter Drawings и навсегда впитал в свое искусство тему уязвимости, человечности, стойкости.

🗿 Но что делало его скульптуры такими узнаваемыми?
Мур не гнался за модой. Он всю жизнь исследовал одни и те же темы: человеческое тело, природу, формы земли и архаику. Вдохновлялся греческими статуями, африканскими фигурками, морскими раковинами, холмами Йоркшира.

Фигуры у него округлые, с отверстиями, как будто продуваемые ветром. Их хочется обойти, рассмотреть, потрогать. Они словно часть ландшафта, а не просто объект на постаменте. Критики поначалу хмурились: «слишком свободно». Но зрители влюблялись.

🎨 Хотите тоже научиться чувствовать искусство, даже самое современное? У меня есть для вас БЕСПЛАТНЫЙ Telegram-Тренажер.

Он поможет вам за 15 минут в день начать видеть в искусстве не хаос, а смысл — и узнавать знакомые мотивы даже в самых смелых работах. Все просто, живо и без нудных лекций. Заодно прокачаете вкус, креативность и эмоциональный интеллект.

Напишите в комментариях МУР — и я пришлю ссылку в директ 📩

op_pop_art 🫀 Обсудим? Как вам платье с бьющимся на спине сердцем?)

На самом деле, креативный директор Schiaparelli Дэниэл Роузбери продолжает традицию Эльзы Скиапарелли — изящно превращает моду в искусство. Ведь еще 100 лет назад она это делала феерично вместе с Дали.

За несколько лет они успели создать очень смелые вещи:

➜ Газетный шёлк
Их первая совместная работа — шелковый платок с принтом газетных вырезок. Дали предложил печатать реальные статьи, где упоминалась Скиапарелли. К слову, спустя 65 лет Гальяно повторил этот ход — уже в Dior.

➜ Жакет с выдвижными ящиками
Вдохновленный картиной Дали «Антропоморфный комод», этот жакет буквально превращал женщину в мебель. Карманы становились ящиками с ручками)

➜ Шляпка-туфля
После того, как Скиапарелли увидела фото Галы (жены Дали) с туфлей на голове, родился этот культовый аксессуар. Надеть его решались только самые дерзкие)) Вы бы решились?

➜ Платье-лобстер
Созданное для скандальной герцогини Виндзорской Уоллис Симпсон, это платье с гигантским лобстером от Дали стало иконой. В 2017 году бренд выпустил его ремейк — и снова всколыхнул мир моды.

➜ Платье «Слёзы»
Вдохновлённое картиной Дали «Некрофилическая весна», оно имитировало разорванную кожу с «кровавыми» слезами из пурпурного шелка.

➜ Платье «Скелет»
Облегающий черный силуэт с объемными «ребрами» — будто рентгеновский снимок, превращенный в вечерний наряд.

Советую все загуглить, это надо видеть👌

op_pop_art Возвращение героев 🦸

Наконец-то состоялось в Третьякове. После годичных гастролей на родное место прискакали героические васнецовские «Богатыри».

Сейчас картина проходит короткий процесс «акклиматизации»: ей требуется несколько дней, чтобы адаптироваться после возвращения из Северной столицы.

Полотно Васнецова стало одним из последних приобретений Павла Третьякова — он купил его в июне 1898 года. Специально для работ художника в галерее выделили просторный зал на втором этаже. Именно там «Богатыри» были размещены сразу после поступления — и по сей день занимают то же самое место ☝️

Любопытно, что с тех пор картина покидала стены Третьяковки лишь дважды: в годы Великой Отечественной войны в рамках эвакуации музейных ценностей, и в 1991 году для участия в выставке в здании на Крымском Валу.

Но вот в прошлом году, впервые за более чем 30 лет, «Богатыри» отправились в Санкт-Петербург — на выставку Васнецова в Русском музее. Теперь полотно вернулось домой, и не в одиночестве: на привычные места также вернулись другие знаковые работы художника — «Аленушка», «Иван-царевич на Сером Волке», «После побоища Игоря Святославича с половцами».

Но все же «Богатыри» остаются одним из самых узнаваемых шедевров русского искусства XIX века. Васнецов создавал эту картину почти 30 лет — начиная с первого карандашного эскиза, сделанного в 1871 году. Он задумывал ее как аллегорию трех ипостасей русского характера: Илья Муромец — могучий и прямодушный сын земли крестьянской, Добрыня Никитич — благородный представитель княжеского рода, и Алеша Попович — молодой, ловкий, озорной «стажер». Вместе они воплощают единство, силу и преемственность народных традиций 🙌

Если вы любите искусство, но не хватает времени и сил на лекции и учебники, попробуйте мой БЕСПЛАТНЫЙ Телеграм-тренажер. Уже после нескольких 15-минутных игровых сессий начнете видеть логику в развитии искусства и поймете, как на него влияли исторические события. Это — стопроцентное средство от стресса и способ прокачать полезные навыки: критическое мышление, эмоциональный интеллект и креативность ❤️

Напишите в комментариях под постом БОГАТЫРИ, и я пришлю ссылку на тренажер в директ.

op_pop_art «Красная Москва. Женщина в большом городе. Парфюмерная индустрия 1920–1930-х» 🎁

Выставка начинается с образа бурно развивающейся Москвы 1920-х — с ее звуков и запахов, с трудовых будней и блестящей обложки эпохи НЭПа.

Первую часть экспозиции кураторы посвятили тресту «Жиркость» (ТЭЖЭ), который после революции объединил практически все советские производства парфюмерии, косметики и мыла 🧼

Дальше — разделы о более благополучной Москве 1930-х, где уже появляются модные барышни и первые бутики. Именно в этот период духи «мэйд ин USSA» начинают выходить на международный рынок как ольфакторные произведения искусства.

В центральной гостиной выставки можно увидеть фрагменты советских кинолент 1950–1980-х годов о жительницах столицы. Их юность и молодость буквально пропитаны ароматом знаменитой на весь мир «Красной Москвы».

В финальном зале размещен ключевой арт-объект современной московской художницы Ирины Кориной, созданный специально для этой выставки. Он предлагает поиграть с ароматическими воспоминаниями. В инсталляции «Парфюмерный орган» нет ни стеклянных колпачков, ни вееров, ни тестовых полосок. Вместо этого — семь нот знакового аромата. На клавиатуре можно импровизировать запахами, одновременно нажимая на ностальгические клавиши своих ассоциаций 🎹

Ведь для кого-то запах счастья — это бабушкины пироги и варенье, а для других — духи «Красный мак», «Белая сирень» или «Ландыш серебристый», навевающие воспоминания о беззаботном детстве.

Кстати, 1920–1930-е годы называют «золотым периодом» советского искусства. Если вы хотите разобраться в этом и других этапах его развития и уютно чувствовать себя на любой выставке, я приглашаю вас в свой бесплатный Telegram-тренажер. Там вас ждут тесты-угадайки и креативные задания. Уже после нескольких 15-минутных уроков вы почувствуете результат: начнете понимать логику искусства и даже произведения современных художников, а еще переведете дух от рабочей рутины.

Напишите в комментариях ПАРФЮМ, и я пришлю вам ссылку на тренажер 🤍

А сама выставка в московском Центре «Зотов» будет открыта с 11 июля по 19 октября 2025 года.

op_pop_art Смерть и деньги — главные темы творчества Дэмиена Херста

А чем он вообще известен? Ну, во-первых, «маринованной акулой» 🦈

Это знаковая работа художника — «Физическая невозможность смерти в сознании живущего» — настоящая тигровая акула в аквариуме с формальдегидом. Шокирующее произведение стало символом всего британского искусства 1990-х.

Еще один любимый объект художника — бабочки. Он использует их во всех возможных формах — инсталляциях, картинах, коллажах, мозаиках и фотографиях. Например, для произведения «Влюбиться и разлюбить», которая проходила в 2012 году в Лондоне, он использовал 9 тысяч живых бабочек. Они летали, ели, откладывали яйца и постепенно умирали в ходе мероприятия. За это Королевское общество раскритиковало художника в пух и прах.

А он объяснил: «Я думаю, что для искусства вместо личных триггеров, нужно найти универсальные: все боятся прозрачного стекла, все боятся акул и все любят бабочек».

Но и этого показалось мало. Тогда у Дэмиена Херста созрел шок-план. В недавнем интервью для London Times художник пообещал, что его новые работы будут появляться на аукционах на протяжении ближайших 200 лет (!) после его смерти 🪦

Для этого он создаст 200 эскизов, на основе которых каждый год его последователи будут создавать одно произведение. Потому что эскизы будут продаваться по аналогии с фьючерсами вместе с правом на реализацию конкретной работы. Ее можно будет воплотить в жизнь и совершенно официально продать с именем уже умершего художника. При этом вне зависимости от даты создания произведение будет датироваться годами жизни Херста.

А если хотите разобраться, можно ли считать произведения Херста искусством и как вообще относиться к современным художникам — воспользуйтесь моим БЕСПЛАТНЫМ тренажером по истории искусства. Для самых занятых прямо в Telegram. Он состоит из 15-минутных уроков с заданиями и тестами-угадайками и поможет вам в короткие сроки прокачать знания об искусстве 🙌

Вы поймете логику развития направлений, разовьете креативность и эстетический вкус, и, конечно, сможете отвлечься от рутины дома и на работе.

Пишите в комментариях ХЕРСТ и я пришлю вам ссылку на Тренажер в директ 📧